Artista: Elena Loson

El presente ensayo expositivo se centra en el extrañamiento de la imagen en tanto entelequia^[1] que elige vedar su visualidad unívoca. Observamos las operaciones de una forma que se retira de sí para reconocerse en un desdoblamiento continuo, incitado por las ejecuciones de su creadora Elena Loson. La práctica de la imagen atraviesa diversas investigaciones en torno a sus proyecciones múltiples. Desea habitar sus líneas, sus pliegues, sus latencias; un pensamiento, una fuerza, un espectro. La imagen es un método orientado hacia la aparición de sus instantes privilegiados. Instantes que han descubierto su medio actualizante en los corredores de la galería Hache.

La sala se concibe como el doble fantasmático del taller, allí donde acontecen “los momentos de no existencia” (palabras de la artista). Procura simbolizar la experiencia de la percepción solitaria, las revelaciones súbitas, la memoria de una obra o todos esos sucesos particulares de cuando la ejecutante entraña y desanda los cristales de su forma. El espacio es una suerte de dispositivo memorial que eterniza el autorretrato de Elena, que no es otra cosa que cada una de sus imágenes abstractas.

 
En su conjunto, las piezas de Oscuro sobre sí indagan en la materialidad como especificidad significante, situando a la oscuridad y la luz en el centro de la conversación. Las obras aquí reunidas trazan una sólida conciencia sobre un dispositivo signado por la repetición y la serialidad, atravesado por la experimentación de un corpus acotado y preciso. Son el grafito en polvo, el papel diamante, la tinta grafito, la tinta azul Prusia y su saturación hacia el oscuro. La esencia de la imagen y sus variaciones sutiles se comprenden por medio del acto cíclico y estructural. La imagen -o el aparecer- se emplaza como ritmo vital que marca la íntima relación entre la materia y el cuerpo, siendo la huella de un gesto directo del pulso presente. Oscuro sobre sí es la hendidura para una ficción posible o la dimensión naciente de cuando la óptica se extravía y el espíritu enmudece.

Malena Souto Arena.

^[1] Entelequia: La entelequia tiene su origen en la palabra griega ἐντελέχεια (entelékheia), combinación de enteles (‘completo’), telos (‘fin’, ‘propósito’) y echein (‘tener’). La palabra fue concebida por Aristóteles, siendo posible traducirla como ‘tener el fin en sí misma’. La entelequia es un tipo de existencia en el que el ser o la cosa – entidad material o inmaterial, concreta o abstracta- trabaja activamente en sí misma. Persiste en la realización de un fin. A través de la entelequia el objeto o sujeto conoce sus potencialidades, por lo tanto, descubre la perfección. La perfección no se refiere al estadio máximo de las cualidades particulares. Es la búsqueda per se de los atributos que exaltan su singularidad, ante la cual se encuentra naturalmente predispuesta.

Echar luz
Pensar una forma
La mente de la forma
Pliegue-piel
En silencio o la imagen posible de todas las imágenes
Lo posible suspendido
Lo posible y espontáneo
El dibujo, una línea en el tiempo
Dibujo en eclipse
Dibujar, ocupar un territorio
El horizonte que se desplaza en el dibujo
Un horizonte que se desplaza en la imagen
Nadie es extranjero de su propia imagen
Un abismo demasiado próximo
El cristal de la memoria
Lo particularizante
Superficie de inscripción
Invoca su-la ausencia
Una frontera azul
Alguien mirará
Vacío nocturno, cenital
Nunca se apaga, la oscuridad
Cesación de la imagen: la materia
El universo puede ser finito
Sueño en azul y gris
Y los otros azules oscuros
Hacer aparecer, la nada
Sobre sí
Oscuro sobre sí.

Fragmentos de una correspondencia entre Elena Loson & Malena Souto Arena iniciada en julio de 2022.

Notas para Un muro más allá

Un muro oscuro y lustroso, pardo violáceo Un muro lítico, amorfo desencadenante Un muro cartográfico
Un muro y un horizonte
Un muro y un horizonte fronterizos
Un horizonte huesudo juega guiado por su propia materialidad
Un horizonte táctil, sólido, invisible
(trazar y borrar)
Un horizonte topográfico
Un muro topográfico
Un muro de cueva resbala opacado a caricias
Y piedras de toque para conocer más, más, más
Y las planicies de espíritu abstracto
Y un horizonte ciego confía
Un horizonte elevado
Un horizonte rehecho, reubicado, recentrándose siempre
Un horizonte convexo y un muro cóncavo
Un muro abrazado
Un muro de sombra de diamante
(mujeres hicieron la mayoría de las pinturas rupestres)
Y las finas escamas metálicas, íntimamente hexagonales
(trazar y borrar)
Y el cielo en el piso, literal, en el piso literal
Y las montañas también, las y la montaña
Un horizonte inorgánico
(las moléculas orgánicas también pueden ser creadas por procesos no biológicos) Un horizonte futuro espera durmiendo
Y las herramientas opuestas
(trazar y borrar)
Y las manos pintadas
Y el mundo que existe: marfil, carbón, núcleo y corteza
Y un muro infinito y grumoso
Un muro lamido que gotea negro reflejante
Un muro acogedor avanza cavernoso y frotado
Y un pigmento absorvente, gris topo, tierra tostada y hollín (trazar y borrar)
Otro horizonte, no lineal, a vuelo de pájaro, y otro, y otro
Y estampidas de elefantes fósiles
Y mapas de luz
Y el canto que marca y marca
Y las escrituras de acero
Y el blanco manto polvoriento
Y la roca de humo, expansiva como nubes marinas
Muro y horizonte

Max Gómez Canle, Buenos Aires, 2018

FONDO-FONDO

Elena Losón trabaja sobre dos territorios: el plano de tela o de papel y su propio taller, territorios de límites precisos y cercanos. El universo material con el que avanza sobre ellos también es acotado: se resuelve entre grafito, lápices y tinta. Elena se priva también del color, para manejarse con la paleta sutil de los valores que ofrece el negro y una colección finita de lápices que oscilan entre los grises, el celeste y el piel. Ha ido renunciando incluso a la imagen referencial que habitaba sus dibujos y pinturas; en estos últimos trabajos no hay escritura ni signo reconocible, no hay figuración de nada cuya idea exista previa a su trazado sobre la superficie de trabajo. Profundizando aún más en este panorama de restricciones, se ha dispuesto a trabajar a partir de ejercicios básicos y casi residuales: el del dibujo elemental -una raya que viene y que va- y todo aquello que usualmente se ejecuta en los bordes de los trabajos de los artistas o sobre superficies que se descartan como resto. A contrapelo de las acciones más “intencionales” de la creación en el arte, donde el acto físico e instrumental se propone como mediador de imágenes o de símbolos, las de Elena son los hechos más concretos y elementales de su oficio: para ella, pintar o dibujar pasó a ser lo mismo que limpiar sus rodillos, probar y gastar sus lápices o estirar una tinta. Su imagen es su método.

Proponiéndose andar en este aparente desierto, Elena ha logrado, sin embargo, acariciar el infinito. A tientas, como olfateando la sabiduría de que sólo la repetición permite variación, sólo el desapego proporciona liberación, su catálogo básico de herramientas desató una serie de acciones que parece no acabar nunca en su capacidad creadora. Guiada por esta especie de arqueología de taller que se impuso algo intuitivamente como proyecto -el estudio del espacio que habita a partir de sus propios restos-, comenzó a dar forma a un ensayo interminable sobre la aparición y la desaparición de las imágenes, sobre la transformación de la materia en imagen, sobre la anulación del principio según el cual entre la superficie de trabajo, la acción y la imagen lograda existe una relación jerárquica. La pregunta sobre quién activa a quién tiene en su trabajo múltiples respuestas.

Si la preocupación inicial de Elena era cómo ocupar la tela o el papel, “cómo lo material traspasa su naturaleza, atraviesa su dimensión hacia el campo simbólico de la imagen”, según sus palabras, el resultado es una serie de obras donde el ejercicio de trabajar sobre lo dado -calcar con un rodillo entintado los restos de material que quedaron bajo un papel, o repetir un simple gesto hasta acabar con sus lápices o romper una bola de grafito- descubre geografías, representa el espacio habitado según las fuerzas naturales y humanas que le dan forma. Desde la más estricta simplicidad, su trabajo evoca voz y silencio, fuerza y cansancio, transparencia y opacidad, el carácter difuso entre lo presente y lo que vemos, el espacio de infinitas sutilezas que existe entre lo vacío y lo lleno, entre el antes y el después del acto de marcar y de manchar, en todas sus intensidades. Elena levanta y deja huellas, sus dibujos se vuelven brumas, atmósferas que difuminan el horizonte y la gravedad que nos ordena, yuxtaposición de imagen y de acto que vuelve a todo no sólo figura, sino también puro y profundo fondo.

Alejandra Aguado